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Breuer encontrado

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Rechristened el Breuer resuelto el pasado marzo, el museo anterior de Whitney proporcionará el espacio adicional para las colecciones del metropolitano vigésimo y del siglo XXI. Para hacer una rotura clara en este cambio histórico, el guardián ha decidido abrirse con dos exposiciones en gusto muy refrenado.

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Colocándose en los cruces de Madison Avenue y de la 75.a calle, el Breuer resuelto parece un ziggurat al revés inmenso, un monolito del granito conducido en la tierra. Una “pirámide invertida” es un qué crítico la llamó en 1966, cuando el edificio – diseñado por el gran arquitecto modernista Marcel Breuer – fue abierto. Era entonces Whitney Museum, y así que permanecía hasta el 2014, el año en el cual el museo de arte histórico anunció que se movía al Meatpacking District y a un nuevo edificio diseñados por Renzo Piano. El edificio de la parte alta prestigioso se ha abierto de nuevo hoy. Rechristened el Breuer resuelto el 18 de marzo, proporcionará el espacio adicional para las colecciones metropolitanas del museo vigésimo y del siglo XXI. Para hacer una rotura clara en este cambio histórico a partir de un museo famoso a otro, el nuevo guardián ha decidido abrirse con una opción de exposiciones que es el contrario completo de los perritos del kitsch – el trabajo de Jeff Koons – que cerró la estación pasada del Whitney. Sheena Wagstaff, previamente de Tate Modern en Londres, ha comenzado con dos exposiciones en gusto muy refrenado: “Inacabado: Los pensamientos dejados visibles” son una investigación del tema del arte inacabado del renacimiento al presente, mientras que “Nasreen Mohamedi” introduce el trabajo de un artista poco conocido al público en general, a un pionero asombrosamente del minimalismo y al diseño experimental en la India. Ambas exposiciones concentran en esquemas, un tema sofisticado conectado con las ideas y el lado más intelectual del trabajo artístico. Son una indicación clara de la nueva línea editorial de ser tomado en el museo, que apunta traer las colecciones enciclopédicas del Met en diálogo con arte moderno y contemporáneo de todo el mundo. Paralelamente, en el sitio principal en Fifth Avenue, se están preparando para reestructurar el arte de la vivienda del ala a partir de veinte y vigésimos primeros siglos con una extensión grande que se diseñará por el estudio de David Chipperfield Architects. El calendario de los acontecimientos futuros es muy variado. Hay en junio Diane Arbus, con una selección de fotografías tempranas raramente vistas, y entonces de Kerry James Marshall, explorador de la cultura afroamericana. En noviembre los cambios a los diseños públicos de Breuer mismos del proyector, a través de las fotografías de Luisa Lambri y de Bas Princen. Si usted lo llama el Whitney o haber encontrado, cuando usted entra en el edificio, los detalles arquitectónicos y las soluciones de equipamiento vienen siempre como una sorpresa. En la entrada, una secuencia sin fin de luces, como discos solares, cubre el techo entero, formando una alfombra luminosa extensa, casi un tributo a las muestras que pulsan de los teatros de Broadway. En los cuartos arriba, un sistema vanguardista de pistas en una rejilla permitir los paneles de la exposición y la iluminación que se moverán, mientras que las aspilleras complejas de la ventana dejan la luz penetran los cuartos pero sin nunca la fabricación de ella difícil considerar los trabajos, y crear un tablero del cuadro de ojos inescrutables en la fachada externa del edificio. Las decisiones de la restauración tomadas por la anteojera Belle Architects de Beyer y los planificadores han seguido cuidadosamente la filosofía de Breuer, en la creencia firme que el uso y el paso del tiempo dignifica los materiales. La piedra desnuda y el concreto, ofrece de arquitectura del Brutalist, elegido porque están cercanas a la tierra, se han restaurado simplemente a su estado natural. Los pisos de la azulada se han pulido con aceites naturales, mientras que las barandillas de madera se han pelado de sus cubiertas y se han tomado de nuevo a su final mate original. Se han quitado todas las intervenciones posteriores. Se restauran también las características hermosas como el reloj circular en el atrio, y el mecanismo del estante usado para recoger la ropa (bastante tecnológica en su día) en el vestuario es visible ahora de nuevo, como estaba en el diseño. La restauración apuntó centrarse la atención en todas las pequeñas características que ayudan a hacer este edificio extraordinario un ambiente no frío y distante, solamente un espacio humano-proporciónado, casi íntimo – una idea hospitalaria de los salones elegantes que no intimidan el visitante cerca, pero invitado para compartir y para hacer uso. La pieza central de la abertura es claramente “inacabada”: el cuarenta por ciento de los trabajos sobre la demostración es poseído por haber encontrado, haciéndole el acontecimiento más importante. Arreglado sobre dos pisos, la exposición es pedida cronológicamente por tema. Comienza con una cita de Plinio a la anciano, que vio los trabajos inacabados de los artistas como ofrecimiento de penetraciones valiosas en sus pensamientos reales. El destacarse cerca de la entrada es Scapigliata de Leonardo, un trabajo sobre préstamo del Galleria Nazionale de Parma. Según historiadores de arte, aunque la cabeza magnífica sea un retrato inacabado, la opción para rendir la cara detalladamente pero sale del pelo rizado hizo alusión simplemente a era la intención del artista desde el principio. Leonardo se debe haber inspirado por la pintura pasada de Apelles de Venus, de que el amo griego salió inacabada pero que fue admirado no menos por sus contemporáneos griegos debido a esto. Entre los amos del renacimiento hay el caso fascinador de Salvator Mundi de Dürer, una pintura al óleo a bordo en la cual el dibujo preparatorio finalmente ejecutado sea claramente visible debajo de la pintura. Se dice que el artista dejó intencionalmente el trabajo en este estado transitorio para mostrar apagado su capacidad de dibujo a los alumnos y a los clientes que visitaban su estudio. El cuarto de Turner, más lejos encendido en la exposición, hace un impacto enorme. Los últimos trabajos se convierten en los paisajes desordenados, evocaciones atmosféricas puras del campo. Entonces viene el trabajo de Giacometti, un buen ejemplo del descontento perpetuo. Conocían al artista para volver una y otra vez a sus trabajos – él nunca los consideraba los cambios significativos definitivo acabados y a menudo realizados a los pedazos que habían ido ya en la demostración al público. Llegando en la segunda planta, una serie de Picassos acoge con satisfacción el visitante y un arlequín mitad-coloreó solamente – una metáfora clara para el artista moderno, una figura inacabada por definición. Un sitio entonces se dedica a la relación con arte inacabado a partir de los años 50 hacia adelante, que tradujeron a los trabajos creados en serie o a las repeticiones del mismo tema. Otro sitio se centra en la interacción, con el visitante pedido terminar trabajos por el Lichtenstein y el Warhol. Los diversos trabajos, tales como dos esculturas en chocolate y jabón de Janine Antoni, también muestran que el arte inacabado puede tomar el formulario de destrucción y de desintegración voluntaria. O se convierte en un acto que es un fin en sí, un proceso, como en las pinturas blancas de Rauschenberg, los trabajos que están siempre al borde de convertirse en algo nuevo puesto que cíclico son repintados por Rauschenberg e incluso por otros artistas. Para cerrarse es un paseo entre los árboles en el jardín del casa-cum-estudio de CY Twombly en la ciudad italiana de Gaeta. El trabajo es una serie de los seis paneles – una visión exquisitamente italiana que el artista americano rechazó vender, manteniéndolos su colección privada al final de esta vida. Es difícil decir si Twombly mismo los vio según lo acabado verdad.

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